El castillo de Neuschwanstein se construyó en 1866 por orden de Luis II de Baviera, llamado el rey loco,
a imagen y semejanza de los castillos de los cuentos de hadas. Más de
un siglo después, fue elegido como modelo para construir el castillo de
la Bella Durmiente en Eurodisney.
Ahora,
Neuschwanstein es candidato a convertirse en una de las 7 nuevas
maravillas del mundo. ¿No sería un honor excesivo para un castillo de
cuento?
Una de las fotos recientemente mostradas es esta que es de
Primeras semanas de gestacion de un bebe. Aún no han aparecido los primeros rasgos humanos y, por su fisonomía, podría tratarse de cualquier mamífero.
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Pedro Tzontémoc Parafraseando a Tolstoi "El secreto de la felicidad no es fotografiar siempre lo que se quiere, sino querer siempre lo que se fotografía". Y es que la fotografía no es un fin en sí misma, es tan sólo el medio que me permite ir de una experiencia a otra, de un encuentro conmigo mismo a otro. Es por esto que mi fotografía no pretende un compromiso social, ni la venta de un producto, tampoco pretende ser objetiva o subjetiva, es decir, no pretende contener una verdad absoluta o manifestar una apreciación visceral e individualista del mundo. En resumen con mi fotografía no pretendo transformar al mundo, sino que éste me transforme a mí. El acto de fotografiar, en sí mismo, a sido mi gran maestro. La fotografía es mi sexto sentido, es decir, también a través de ésta le doy coherencia a la realidad, me la explico. La cámara es tan solo una herramienta que a manera de prótesis agudiza mi atención. La relación ojo-vista-lente como contemplación y dedo-tacto-disparador como acción son el punto de equilibrio de mi percepción del mundo. Cuando fotografío el acto mismo toma el control y entonces a manera de posesión satánica me convierto en un instrumento. No manipulo ni construyo mi trabajo, porque creo que la realidad nos ofrece más de lo que la imaginación pueda elaborar. El realismo mágico, que tanto se busca ahora en la manipulación electrónica de la imagen, está a la vuelta de la esquina: Hay que estar ciegos para tener que buscarlo en una computadora. Aunque admito que esto se deba quizá a mi incapacidad de tomar elementos aislados de la realidad para re-inventarla lejos de su contexto, es decir, del aquí y el ahora. Creo que la vocación del fotógrafo es la de ser un captador de presentes, detener ese tiempo efímero que no existe; inventarlo, permitirle existir. Sin la fotografía el presente solo sería una sucesión infinita de instantes en tránsito del pasado al futuro: El presente sólo existe en las fotografías. Así como una línea es una sucesión infinita de puntos, la vida es una sucesión infinita de impulsos. La línea de mi vida ha sido trazada por el ritmo de mis impulsos. Creo que un ser humano es la suma de sus experiencias y cada una de ellas se ha convertido en el pretexto de mis obsesiones. El resultado de las experiencias, se traduce en imágenes visuales, pero también en la imagen misma de un modo de ver, de un modo de tomar conciencia de la realidad a partir del presupuesto básico de vivirla. Cada experiencia transforma mi forma de percibir el mundo y modifica mi relación con la fotografía. Mi fotografía no esta hecha para colgarse en las paredes o para publicarse, ni siquiera para ser revelada. Estos son únicamente procesos complementarios que me permiten establecer referencias en mi proceso vivencial, es por esto que mis mejores fotografías son las que conscientemente he decidido no tomar al dar paso a la experiencia directa, sin filtros. La fotografía no es el arte, el arte es la vida misma. No me considero un artista, ahora los artistas están más preocupados por vender o aparecer en los periódicos que en buscarse a sí mismos. Los artistas contemporáneos, salvo algunas honrosas excepciones obran obras. Yo me considero un simple receptor de experiencias diversas, ando por el mundo exponiéndome a ellas, involucrándome intensamente, estableciendo una relación amorosa-pasional con cada una de estas para consumirlas y a la hora de mi muerte tan solo me arrepienta de lo que no he hecho. La fotografía es el medio para lograrlo. A forma de resumen, recuerdo a Kati Horna, con quien tuve el privilegio de compartir largas pláticas, cuando decía que se hizo fotógrafa porque su verdadera vocación era ser vagabunda, esa fue su mejor enseñanza. . .
Este texto fue tomado de la pagina: www.pedrotzontemoc.com
En el verano pasado, algo fuera de lo habitual despertaba a la
tranquila playa nudista de Tejita, en Tenerife. Los turistas buscaban
sus ropas y se vestían a toda prisa. Corrían con botellas de agua y
toallas para recibir a un grupo de africanos que llegaba en una
embarcación tan rústica que apenas alcanzó a llevarlos a puerto. En
medio del barullo, la lente de Arturo Rodríguez saltaba desesperada. Su
objetivo se iba llenando de rostros oscuros con profundos ojos rojos
acuosos y de cabelleras rubias y pupilas cristalinas asustadas que
miraban cómo desfallecían los recién llegados. Rodríguez era quizá el
único fotógrafo en la zona; ese mismo día, seis embarcaciones habían
arribado a las costas de Gran Canaria y toda la atención estaba volcada
en otras playas.
El trabajo gráfico que consiguió esa tarde de julio le
valió un World Press Photo, el premio más importante de fotoperiodismo.
Desde ayer y hasta el 1 de septiembre, estas fotos reciben a los recién
llegados en el
aeropuerto de Barajas, en una muestra que reúne las
mejores imágenes del mundo: las 177 ganadoras del Word Press Photo 2007.
Entre los galardonados hay cinco fotógrafos españoles. José Cendón
es uno de ellos. Su trabajo relata la vida en un hospital mental de la
región de Grandes Lagos, en Ruanda, un país que se repone a pasos
pausados de una guerra que mató a más de un millón de personas en la
década de los noventa del siglo pasado. "Quería mostrar la locura de la
guerra", cuenta, y sus imágenes la relatan, la gente las ve y trata de
evadirlas pero luego regresa y se queda mirando. Un hombre con las
pupilas dilatadas, atado con una cadena a un poste, y una chica, a la
que sólo se le ve la espalda, intentando evadir la cuerda que está
próxima a atarla. Cendón recuerda muy bien a esa chica. Cuando llegó al
hospital no paraba de escupirle encima, el fotógrafo protegía la cámara
y se limpiaba la saliva de la mujer sin inmutarse. Pero poco a poco,
ella fue cambiando de actitud y Cendón se ganó su confianza. Al final,
ella sólo aceptaba alimentos si él se los daba. "He visto que muchos
enfermos mueren de hambre porque se niegan a comer", dice y por ello se
dio a la tarea de convencerla, esquivando los escupitajos.
A
pesar de que sacó una serie de imágenes desconcertantes, fuertes, que
no dejan tranquilo al espectador, no consiguió que ningún medio las
publicara. La revista Time se interesó en un principio pero al
final quedó todo en el aire. El certamen World Press Photo no admite
trabajos inéditos, pero en el caso de Cendón el jurado decidió hacer
una excepción y aceptarlas en concurso.
"Las tomé con una cámara
que era una mierda", recuerda entre risas el fotógrafo. El aparato se
lo enviaron de emergencia desde España después de que le robaran todo
su equipo en el viaje.
Para Rodríguez conseguir las imágenes
también fue una odisea. Desde hacía meses estaba metido de lleno en el
tema de la inmigración. "Yo sabía que este año el World Press Photo iba
a premiar la inmigración, porque ése era el tema más actual, pero lo
que no imaginaba era que me lo fuera a ganar yo", comenta. Él y su
colega Desireé Martín pasaron meses durmiendo en un estrecho Peugeot
206 para no perderse la llegada de los cayucos. Se turnaban unos
prismáticos y pasaban la noche tratando de advertir cualquier
movimiento extraño en el agua. El resultado fue el World Press para él
y el Ortega y Gasset para ella. "Después, ya todo fue más fácil",
comenta Rodríguez, "nos hicimos amigos de los de la Cruz Roja y
entonces ellos nos llamaban cada vez que llegaba un barco".
En la
muestra están también los trabajos de los españoles Daniel Beltrá,
Moisés Saman y Pep Bonet. Beltrá captó desde el cielo un árbol solo y
seco en un inmenso descampado de la selva amazónica. Moisés Saman
muestra cómo empieza a revivir Afganistán después de la guerra, un
sitio donde se aprecian sonrisas de niños y gente trabajando, pero
también donde las balas y las armas no se han acabado. Bonet capturó un
mundialito de fútbol donde juegan hombres que perdieron una pierna en la guerra de Sierra Leona.
La
fotografía ganadora de todas las categorías fue la del estadounidense
Spencer Platt, en la que se funden dos escenarios distintos en uno
solo. Se trata de un grupo de chicos, guapos y bien vestidos, paseando
en un descapotable rojo frente a una zona devastada por un bombardeo en
Beirut. La desolación del fondo resalta aún más los rostros de los
chicos que parecen salidos de una película californiana. La fotografía
causó mucha polémica, se pensó que era una crítica contra las familias
adineradas de Líbano, pero en realidad el fotógrafo nada sabía de sus
personajes. "
o tomo la fotografía y no me entero de quiénes son los que salen", dijo alguna vez.
Otra
de las ganadoras es la serie de imágenes que consiguió Espen Rasmussen
tres meses después del terremoto que sacudió Cachemira en octubre de
2005. El sitio donde estaba ubicada la mayor mezquita de la ciudad de
Balakot quedó totalmente en ruinas, aun así, cientos de personas se
arrodillan a rezar entre rocas, escombros y polvo. La foto es una
panorámica de una ciudad en el suelo con decenas de personas
arrodilladas.
La muestra es un fresco de los acontecimientos más
importantes de 2006, desde la guerra hasta el famoso cabezazo de Zidane
en el mundial de fútbol. El Word Press Photo se entrega anualmente a
las mejores fotografías publicadas en cualquier parte del mundo. Premia
varias categorías: actualidad, retratos, deportes, entretenimiento y
vida cotidiana. El año pasado participaron 4.460 fotógrafos de todo el
mundo. Los ganadores exhiben cerca de 170 imágenes hasta el 1 de
septiembre en el aeropuerto de Barajas.
En la categoría de
naturaleza destaca la instantánea de un león marino que muestra sus
enormes dientes. El canadiense Paul Nicklen se sumergió en el océano
Antártico para documentar los hábitos alimenticios del animal. Lo
retrató comiéndose a un pingüino del que sólo desechó las aletas. El
león llegó a volverse íntimo del fotógrafo, tanto que después de un
tiempo compartía su comida con el visitante. Le acercaba a menos de 30
centímetros pedazos de pingüino ensangrentado. Pero los leones marinos
no son siempre tan simpáticos. En 2003 uno de ellos atacó hasta la
muerte a una científica. Nicklen lo recordaba, principalmente cuando
notaba que el enorme animal se molestaba al ver que su invitado no se
comía el pingüino que le había obsequiado.
Los viajantes que
entre maletas y prisas ven las imágenes, vuelven la vista para ver
también a un gato serval que los observa con sus enormes ojos felinos.
Acercarse a un animal de esos es prácticamente imposible: huyen al
menor contacto y tienen un oído capaz de percibir las pisadas de un
ratón. Por ello, Michael Nichols, fotógrafo de Nacional Geographic,
se ingenió un sistema que le permitía tomar la foto sin estar presente.
Dejó la cámara sobre un trípode y le colocó un sensor de movimiento que
al activarse disparaba. Así aparecieron por su pantalla caravanas de
monos, cocodrilos y decenas de felinos. Entre ellos el que le ayudó a
ganar el premio, un gato serval que mira prepotente.
Este texto e imagenes fueron tomadas de la pagina: http://www.elpais.com/articulo/madrid/mejores
arte abstracto
es un movimiento artístico que surgió alrededor
de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos
figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y
colores sin ninguna relación con la realidad visual.
Pintura abstracta
En
la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad
autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se
representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente
combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior.
Una de las características principales de la pintura abstracta es el
uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
El ruso
Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en
Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha
redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el
pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En
1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de
diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra
otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul
Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los
elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio)
adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la
mente del artista.
Este texto fue sacado de la pagina: http://www.artelista.com/arte-abstracto.html
Esta es otra forma de inspiracion de muchos de los fotografos del mundo, se trata de inspeccionar y ver lo que esta a nuestro alrededor para valorar la imagen y arte que se ven en nuestras
calles.
El arte callejero o street art del término inglés, en su concepción más amplia y literal describe todo el arte desarrollado en la calle, normalmente de manera no autorizada. Esto incluiría tanto al Grafiti vinculado a la cultura Hip Hop como a otras formas diversas de intervención artística en la calle.
Plantillazo de Banksy.
Plantillazo de Banksy.
Sin embargo, desde mediados del los años 90 el términos street art o su equivalente de Post-Graffiti se vienen usando para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han ido desarrollando acciones artísticas en la calle mediante el uso de plantillas, posters, pegatinas y otras técnicas y códigos que se alejan del Grafiti.
El uso de plantillas, a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del personaje de circo Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.
El mensaje original de esta campaña fue nulo, se erigió haciendo referencia a sí mismo, sin otro significado de por medio. Sin embargo, desde mediados de los noventa ha sido una de la imágenes de cultura urbana más veces retomada por otros artistas. Se ha parafraseado a manera de homenaje y otras como ironía, pero ha servido como base importante para el desarrollo del arte callejero en todas las capitales del mundo.
Este texto fue sacado de la pagina http: es.wikipedia.org
El mundo es de colores, donde hay luz, hay color. La percepción de la forma, profundidad o claroscuro está estrechamente ligada a la percepción de los colores.
El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. La luz es constituida por ondas electromagnéticas que se propagan a unos 300.000 kilómetros por segundo. Esto significa que nuestros ojos reaccionan a la incidencia de la energía y no a la materia en sí.
Las ondas forman, según su longitud de onda, distintos tipos de luz, como infrarroja, visible, ultravioleta o blanca. Las ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 380 y 770 nanómetros.
Los objetos devuelven la luz que no absorben hacia su entorno. Nuestro campo visual interpreta estas radiaciones electromagnéticas que el entorno emite o refleja, como la palabra "COLOR".
ESTE TEXTO FUE TOMADO DE LA PAGINA www.fotonostra.com/garfico/teoriacolor
La aproximación a este período histórico de la fotografía nos lleva ineludiblemente al análisis del periodismo fotográfico, la relación de las vanguardias históricas y la fotografía y a una exposición de los diferentes realismos fotográficos que se desarrollan en estos años.
El periodismo fotográfico es el que nos da a conocer por medio de una foto todo lo que pasa en un lugar, estas visualizaciones nos cuentan mucho y por esto ya tenemos idea visual de lo que pasa en un lugar.
La posibilidad de imprimir fotografías junto al texto en periódicos y revistas fue investigada durante el siglo XIX mediante diferentes posibilidades, como la litografía. En 1880 se inventó la tećnica de impresión en medios tonos, que es la antecesora del actual procedimiento de offset y fotocromía. Sin embargo, el fotoperiodismo también se enfrentaba a problemas técnicos en la toma fotográfica, ya que las emulsiones aún tenían sensibilidades muy bajas, por lo que tomar fotos en interiores o de noche se limitaba al uso irreemplazable del flash (de magnesio, en aquel entonces). Sumado a esta dificultad, las cámaras de gran formato y la frecuente necesidad de usar trípode hacían que los fotoperiodistas estuvieran muy limitados en sus posibilidades de trabajar el "discurso fotográfico documental".
El fotográfo que logró superar estas limitaciones fue Erich Salomon en Alemania, a partir de 1925. Salomon créo un estilo fotográfico documental conocido como foto live o foto cándida. Sus fotos se caracterizan por mostrar a los sujetos espontáneos, muchas veces sorprendidos por el fotográfo.
Este texto fue tomado de la pagina: es.wikipedia.org
